对于圣罗兰而言，摄影从来不仅仅是记录时装。

继七夕广告大片《纸短情长》之后，圣罗兰再次邀请摄影师编号223（林志鹏），于北京右岸精品店呈现其全新摄影个展。展览于8月6日至9月11日呈现，由品牌创意总监Anthony Vaccarello策划，他承接七夕叙事，并成为品牌在艺术文化与生活方式上的一次概念延伸。

《CULTURED》中文版独家采访了摄影师编号223（林志鹏）。

SAINT LAURENT圣罗兰《纸短情长》 （LOVE LETTERS, LOVE MATTERS）七夕广告大片，

由创意总监ANTHONY VACCARELLO策划

广告与展览看似属于两种不同媒介，却共同围绕着同一种情感经验展开：它们都没有刻意描绘爱情，而是在光线、身体、距离与沉默之间，重新讨论人与人之间最细微的连接。从Helmut Newton、Juergen Teller到David Sims，品牌始终将摄影视作一种独立于服装之外的表达媒介。影像不仅塑造了圣罗兰的视觉身份，也不断回应着每一个时代对于身体、欲望、自由与亲密关系的理解。相比一季时装所代表的流行趋势，摄影拥有更长的时间尺度，它能够留住一种情绪，也能够让一种观看方式在不同的时间获得不同的视觉感受。

SAINT LAURENT圣罗兰《纸短情长》（LOVE LETTERS, LOVE MATTERS）七夕广告大片，

由创意总监ANTHONY VACCARELLO策划

今年七夕，这种表达以一种更完整的形式展开。这也是圣罗兰近年来最值得关注的变化。品牌越来越少只是借助艺术为时装赋予意义，而是不断让更多媒介在同一空间中共同构筑一种更完整的文化表达脉络，并将其转化为一种关于生活方式的概念、思考与叙事。在这样的语境与变化下，影像成为了一种能够独立成立的语言。

《KADIRYE IN THE FLOWER PATTERN》，2011，收藏级艺术微喷，100x67cm©编号223（林志鹏）及三影堂+3画廊

“编号223”这个名字，来自王家卫的电影《重庆森林》中金城武饰演的警员223号。对于摄影师林志鹏而言，这个编号不仅是一种身份，也暗示着一种观看世界的方法——带着电影般的情绪，也带着都市生活特有的游离感。

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P1：《掌心的金莲木》，2022，收藏级艺术微喷，50x33cm

©编号223（林志鹏）及三影堂+3画廊

P2：《非隆重侵犯》，2021，收藏级艺术微喷，50x33cm

©编号223（林志鹏）及三影堂+3画廊

P3：《TINY WORLD ON BED》，2018，收藏级艺术微喷，50x33cm

©编号223（林志鹏）及三影堂+3画廊

自2003年创建个人博客“北纬23度”以来，编号223（林志鹏）始终将镜头对准身边的人与日常生活。相比宏大的叙事，他更关注那些容易被忽略的瞬间：身体停留在窗边，花朵落在皮肤上，阳光穿过房间，一颗水果、一张床、一束尚未盛开的植物，都能成为画面中的一部分。青春、亲密关系与个人自由，构成了他持续二十余年的创作主题，也成为其作品最鲜明的精神线索。

他的摄影几乎没有完整的故事。

《北京春醒 #3》，2024，收藏级艺术微喷，

100x67cm©编号223（林志鹏）及三影堂+3画廊

人物很少直视镜头，也很少出现明确的戏剧冲突。画面停留在情绪发生之前，又或者结束之后。那些真正重要的内容，并没有被直接讲述，而是隐藏在人物之间的距离、肢体的细微动作，以及光线停留的片刻之中。

这种留白，使他的作品始终保持一种开放性。

《HURT CARING》，2022，收藏级艺术微喷，

50x33cm©编号223（林志鹏）及三影堂+3画廊

观看者无法轻易为画面赋予一个明确的答案，却总能在其中找到属于自己的情绪经验。如果说许多关于爱情的影像试图讲述一个故事，那么编号223（林志鹏）更像是在记录故事发生之前的空气。

编号223（林志鹏）偏爱胶片摄影，这一点虽然并非此次展览的主题，却几乎贯穿了他的创作实践。胶片摄影的颗粒质感令他着迷——并不在于所谓的复古，而在于它对于时间的保存方式。

《椅子上的红果子》，2011，收藏级艺术微喷，

50x33cm©编号223（林志鹏）及三影堂+3画廊

每一次按下快门，都意味着无法立即确认结果；每一次曝光，都带着偶然性与不可复制性。

在他看来，如果一卷36张的胶卷拍摄能够产出5-6张有效作品已经足够让他欣喜，但如果一张也没有，他也不会因此失落——他更享受摄影的行为过程。

颗粒、色偏、光线的偏移，甚至冲洗过程中留下的细微误差，都成为影像的一部分。这种不可预设，与林志鹏的摄影语言形成了天然的契合。他的镜头从不试图制造完美，而是在不断保留那些偶然发生的瞬间。人物之间略显迟疑的眼神，尚未完成的动作，光线进入房间的一瞬，都因为胶片而获得一种近乎记忆般的质感。

SAINT LAURENT圣罗兰《纸短情长》（LOVE LETTERS, LOVE MATTERS）七夕广告大片，

由创意总监ANTHONY VACCARELLO策划

Roland Barthes曾在《明室》中写道，摄影真正记录的并不是一个事件，而是“它曾经存在过”。对于编号223（林志鹏）而言，这种“存在过”并不是宏大的历史，而是那些极其私人、极其短暂，却又真实发生过的情绪。也因此，品牌七夕广告大片《纸短情长》选择由他完成，并非偶然，创意总监Anthony Vaccarello也对他的作品十分欣赏。

纸张记录的是文字，胶片记录的是光。两者都在回应同一个主题——那些无法停留的人与事，最终都借由某种媒介，被时间温柔地保存下来。

如果仔细观看这次展出的作品，会发现编号223（林志鹏）始终在回避一种明确的叙事。无论是《LOVE AS DEPARTING》《WINDOW VIEW》，还是《北京春醒》，人物都没有成为故事的主角。相反，窗外投射进来的自然光、一束盛开的花、一只停留的手，甚至空气中的沉默，共同构成了画面的情绪。摄影并没有直白地告诉观者发生了什么，而是留下了足够的想象空间，让观看成为一种缓慢发生的过程。

《LOVE AS DEPARTING》，2014，收藏级艺术微喷，

50x33cm©编号223（林志鹏）及三影堂+3画廊

这种克制，与圣罗兰近年来的视觉表达形成了微妙的共鸣。在Anthony Vaccarello执掌品牌之后，圣罗兰逐渐减少了对于戏剧化叙事的依赖。镜头开始回归人物本身，回归身体、姿态与情绪。比起讲述一个完整的爱情故事，它更关注人与人之间那些无法被定义的关系——一次擦肩、一场等待、一封尚未来得及寄出的信，一段尚未说出口的告别。

SAINT LAURENT圣罗兰《纸短情长》（LOVE LETTERS, LOVE MATTERS）七夕广告大片，

由创意总监ANTHONY VACCARELLO策划

《纸短情长》亦是如此——没有借助七夕制造关于爱情的想象，而是将镜头停留在人与人之间那些微妙而真实的情感流动中。其中，书信成为一种隐喻，它所承载的不只是文字，更是时间本身。当纸张经过折叠、传递、阅读，它所记录的早已不仅是内容，那是情感抵达彼此的过程。

编号223（林志鹏）的摄影，同样关心这种“抵达”。他的画面总是停留在情绪发生之前，又或者结束之后。真正重要的，并不是某一个瞬间，而是瞬间之外，那些仍然持续存在的余韵。

观看摄影的意义，也因此发生改变。

在广告大片中，带有商业性质的影像往往停留于屏幕或纸面，品牌借助其推广产品，获取流量与销售数据；人们习惯快速浏览，获取信息，然后迅速离开，满足需求；而当一种非商业质感的摄影风格，在成为商业摄影后，又延续其非商业质感进入一个商业性质的展览空间，观看的意义也开始变得不同寻常。观众在这个空间中移动，靠近作品，也靠进产品，同时也会与画面保持距离。不同尺寸的输出、不同的观看角度，不同的空间场景意义以及光线与空间共同构成的新的阅读经验，令摄影作品不再只是一个视觉结果。

摄影师编号223（林志鹏）个展 展览现场，

圣罗兰北京右岸精品店

展览没有过多解释摄影的作品与意义，而是保留了其原本的开放性，让每一位进入展厅的人，都能够按照自己的节奏阅读这些影像，并结合品牌精品店的布局令观众形成一种全新的身体与精神上的感受。这种节奏，同样贯穿于圣罗兰近年来对于艺术项目的持续实践之中。

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摄影师编号223（林志鹏）个展 展览现场，

圣罗兰北京右岸精品店

品牌没有要求艺术服务于产品，也没有让作品成为视觉背景，创作者拥有充分的自由，使作品能够以自身的语言成立。这也是为什么，编号223（林志鹏）的摄影始终保持着鲜明的个人风格——圣罗兰选择了完全的信任，并让这些影像进入了一个新的语境——花朵仍然是花朵，身体仍然是身体，光线依旧缓慢地停留在房间里。

法国哲学家罗兰·巴特曾写道：“摄影不断重复一次永远无法再现的存在。”摄影的意义，从来不是复制现实，而是在时间流逝之后，留下某个曾经真实发生过的片刻。

《窗》，2018，收藏级艺术微喷，50x33cm

©编号223（林志鹏）及三影堂+3画廊

编号223（林志鹏）镜头中的亲密关系亦是如此。没有人能够准确解释这些人物之间、事物之间的关系，也没有人知道故事最终走向哪里。画面始终停留在一种开放的状态，让观看者不断回到自己的经验之中。或许，这也是圣罗兰选择持续与他合作的原因。品牌真正关注的，不是某一种固定的爱情叙事，人与人之间那些无法被定义，却真实存在的情感联系才能令观者产生共鸣。

《欲滴》，2023，收藏级艺术微喷，50x33cm

©编号223（林志鹏）及三影堂+3画廊

从《纸短情长》七夕广告大片到圣罗兰北京右岸精品店的这场展览，影像没有给出太过明确的答案。它只是温柔地提醒我们，在今天这样一个不断加速的时代，仍然有人愿意停下来，凝视一束光落在身体上的片刻，等待一封信抵达，也等待一种情绪，在观看之中慢慢发生。它更像是一次关于时间、记忆与亲密关系的观察——而这，或许也是圣罗兰近年来最动人的文化表达——它越来越少试图定义生活，而是通过艺术，为生活保留更多被感知、被想象，也被重新阅读的空间。

CULTURED：

您的作品始终围绕青春、身体与亲密关系展开，但这些画面很少提供明确的故事或答案。在您看来，摄影是在记录一段关系，还是在捕捉一种情绪？您如何理解“亲密”这一主题在当下的意义？

编号223（林志鹏）：

两者都是，摄影即是记录关系，也是捕捉情绪，图像是我作为“在场”的一种档案留存，所有跟我相关的经历、成长、关系、感受、体验和幻想，我都用摄影这个手段记录下来。

亲密是这里面各种过程的其中一个存在，对我来说。它等同于爱与欲，等同于吃饭、睡觉，等同于任何一种生活既定的存在，只不过我喜欢表达“关系”，这里面必然会涉及到亲密。我们在互联网发达的时代，习惯了线上社交和远程接触，越来越忽略了现实体验，我始终认为，真实的亲密，需要有面对面的皮肤温度和感官触碰。

CULTURED：

您的作品里经常出现留白、停顿，以及人物之间微妙的距离感。相比“讲述”，您的摄影似乎更倾向于“观看”。这种观看方式是如何形成的？您希望观众在面对你的作品时，以怎样的节奏进入画面？

编号223（林志鹏）：

作品里所谓的“留白”，是我期望营造出的一种想象余地，过于饱满的影像叙事反而让这种空间丧失掉了，会变得无趣。如果观者站在我的作品前，开始想象和好奇图像里到底在发生着什么，以及为什么会这样发生，观者也许会继而做出自己的判断与联想，那么这就是我在作品完成后，希望达成的所谓“作品与公众的对话”的过程。

我不对每一张作品进行解释，作品在拍摄结束后，它展现在大家面前，它就是一个开放式的呈现，每个人都可以对作品有着自己的解释与想象。相当于对作品进行了再创作。

CULTURED：

您长期坚持胶片摄影。相比数字影像，胶片的不确定性、颗粒感与时间感，是否影响了您对于“真实”的理解？胶片对您有怎样的影响？

编号223（林志鹏）：

胶片的迷人之处正是它的这些特性：不确定性、不可控、不完美的成像。这些也非常符合我的创作习性，我的拍摄不喜欢做预设和计划，即兴的灵感和创作会让过程更有意思，在旁人看来这些都是不可控的、“危险的”创作，我喜欢这种意外。当然何谓“真实”，也不是仅靠数码或胶片便会全然理解的，反之，稍微有些不真实，不是更有趣味吗？

CULTURED：

今年，您既拍摄了圣罗兰七夕广告大片《纸短情长》，又与品牌带来了此次展览。对您而言，您怎样看待品牌对“七夕”的表达？这两次创作之间存在怎样的延续？当商业影像与个人创作发生交汇时，您如何保持自己的摄影语言？

编号223（林志鹏）：

品牌在七夕的表达上，同时在大片上讲述情感故事，又在我的作品展中艺术性地表现关于“关系”的主题，是很好地将商业话语与艺术态度互相成就的案例。

这次展览所有作品都是非商业语境下的创作，它保持了艺术的纯粹性。在艺术创作上，我也通过二十多年的创作达成了一定的个人影像属性，因此在商业影像的创作上，多少还能保持住自己的摄影语言，这是我作为艺术创作者首要身份对个人风格的坚持。

CULTURED：

摄影通常发生在二维画面中，而展览则让作品进入真实空间。当这些影像从屏幕、书页走进圣罗兰北京右岸精品店之后，您认为观众的观看方式会发生哪些变化？空间是否会赋予作品新的意义？

编号223（林志鹏）：

我一直非常鼓励人们去线下看展览，以及翻书。比起屏幕的快速浏览、走马观花式的读图，实体展览才是真实的对影像作品直观体验的方式，这种观看更沉浸式，因为没有像屏幕网络那些批量生产的图片充斥在视线里，展览通过架上作品，能让观者更从容进入一张图像，会缓慢下来思考、想象和体会。同时展览跟出版一样，需要有主题、编辑、节奏和语序，设计（布展），这里面充满了策展思维，这是我们在社交媒体上翻图所无法获得的体验。

CULTURED：

圣罗兰近年来持续通过摄影、电影、出版与展览构建自己的文化表达。此次合作中，您觉得品牌最吸引您的地方是什么？这种创作环境是否影响了您对于影像表达的思考？

编号223（林志鹏）：

这是我自2021年以来和圣罗兰多次合作大片、展览、出版之后，再次的惺惺相惜，我也很有幸成为在巴黎、洛杉矶和北京三地的圣罗兰右岸店都做过个展的艺术家，品牌持续对艺术介入和扶持、拥抱艺术的开放，都是吸引我的地方。

除了摄影，我也持续的在做出版和展览，它们也是作为我作品组成的一部分，这些艺术表达，跟圣罗兰在艺术文化上的输出形态不谋而合，也希望日后有更多深入的艺术项目合作。

CULTURED：

您的很多作品都停留在一种开放的状态，人物没有明确身份，故事也没有结局。这种“未完成”似乎成为您的作品最鲜明的特质。您希望带给观众的是什么？是一种思考、一种感受、一幅印象深刻的画面？还是某一种情绪？

编号223（林志鹏）：

都可以是有，既然作品完成后便置入于一种开放，所有观看体验都不受限，都还可以被接受的。我觉得这是我作品从摄影师视角的“私境”界限进入公共性后所必然会面临的，观者无论是产生共鸣，还是受到挑衅，或是被某种温暖或不安所触动，都是我能接受和理解的。当然，我也已经从早期单纯的视觉体系的表达，到近年希望用作品更多叙述故事微微转变了，因为对我来说，刺激的感官性视觉表达太容易了，只要把脑子里天马行空的想法拍摄下来就能达成，但要用图像创造故事性、情绪感、想象空间，那是更难的事情，我也一直在努力。

INTERVIEW、WORDS

Polaris

EDITOR

Lesley、August

DESIGN

Ace Chen

POSTED

August 19 , 2026

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